O escritor mineiro João Guimarães Rosa (27 de junho de 1908 – 19 de novembro de 1967) está entronizado no panteão dos imortais da literatura brasileira por livros como Sagarana (1946) e Grande sertão: veredas (1956), obras-primas referenciais pelo estilo inovador da prosa de Rosa.
Na cena de Pormenor de ausência, espetáculo que vem rodando o Brasil desde 2022 e que no momento está em cartaz no Teatro Vannucci, no Rio de Janeiro (RJ), em temporada às segundas e terças-feiras, Guimarães Rosa aparece humanizado na pele do ator paulistano Giuseppe Oristanio.
Sob direção de Ernesto Piccolo, o ator interpreta o escritor nos últimos anos de sua vida, em saga para se tornar um imortal da Academia Brasileira de Letras e, na luta por uma cadeira na ABL, o romancista se despe da aura sagrada e se mostra um homem picado pelo bichinho da vaidade. Se a obra já estava consolidada, a alma do escritor ainda estava insaciada, movida pelo desejo de uma imortalidade que os livros já haviam lhe garantido, mas que Rosa enxergava somente na vaga da ABL.
Com boa caracterização, Giuseppe Oristanio interpreta Guimarães Rosa na primeira pessoa, dando voz ao texto escrito por Lívia Baião a partir de pesquisa sobre a vida do escritor, o que deu à dramaturga acesso a cartas, documentos e textos de ficção do autor que debutou no universo literário em 1936 com um livro de poesia, Magma.
Em Pormenor de ausência, Guimarães Rosa é o narrador da própria história, de uma saga que mistura vaidade, obsessão e morte. Na encenação minimalista, calcada no texto e no ator, a luz e a música entram somente no fim da peça, para realçar um desfecho já notoriamente trágico.
Como se sempre pressentisse que a chegada à ABL fosse o ápice e o fim da saga existencial, Rosa de fato morreu três dias após tomar posse na cadeira de número 2 em 16 de novembro de 1967, em cerimônia pautada por elogios superlativos de apoiadores, como o jurista Afonso Arinos de Melo Franco (1905–1990).
Pormenor de ausência retrata um Guimarães Rosa às voltas com crenças religiosas, sérios problemas de saúde e dilemas comportamentais. A cena enfatiza que a grandeza da obra muitas vezes contrastou com a dimensão ordinária de uma alma humana como muitas, vítima das armadilhas do ego. É o homem que está em cena, com inseguranças e medos.
Essa humanização de Guimarães Rosa ao longo da hora de duração do monólogo contribui para dissolver qualquer aura mitológica da imagem do autor que desbravou as grandes veredas do sertão mineiro. A recorrente perspectiva da morte talvez seja a senha para o entendimento da obsessão do escritor pela imortalidade intelectual conferida com a entrada na Academia Brasileira de Letras.
Com um fardão posto em cena em uma das extremidades do palco, como a lembrar para o espectador da saga particular de Guimarães Rosa, Pormenor de ausência descontrói a imagem sertaneja, ruralista, que talvez ainda persista no imaginário de quem desconhece as múltiplas atividades desse escritor que também foi diplomata e médico. Mas que passou para a história como um escritor grandioso, visto em cena com as pequenezas comuns a toda a gente.
Mauro Ferreira
Comédia escrita pelo dramaturgo norte-americano Ken Levine com fidelidade às regras do playwriting, America's sexiest couple estreou em julho de 2022 nos Estados Unidos, pondo em cena temas como etarismo e abuso sexual, a partir do reencontro de um casal de atores em fase outonal de suas carreiras.
Três anos depois, o texto ganha a primeira montagem brasileira em adaptação fiel de Tadeu Aguiar, também diretor da encenação, que vem percorrendo capitais do Brasil ao longo de 2025. No momento, O casal mais sexy da América está em cartaz no Rio de Janeiro (RJ), no Teatro Clara Nunes, um dos palcos do Shopping da Gávea, espécie de Cinemark do teatro carioca.
O grande atrativo da peça é a presença de Vera Fischer no papel de Susan White, atriz veterana que fez muito sucesso nos anos 1990, ao estrelar série de TV com o ator Robert McAllister, personagem de Leonardo Franco. Três décadas depois, enquanto luta para se manter em cena, Susan reencontra casualmente Robert em um dos quartos do hotel onde estão hospedados para ir ao funeral de um colega da mesma série. O encontro traz à tona memórias dolorosas, em jogo de cena armado para provocar o riso do espectador, com direito a uma cena de sexo confeitada com o humor pastelão das comédias mais populares.
Com elenco completado por Vitor Thiré, bem aproveitado no papel de um jovem millennial que trabalha no hotel, O casal mais sexy da América se escora na presença magnética de Vera Fischer. Uma das referências de beleza feminina no Brasil, a atriz catarinense, ao longo de sua carreira, lutou para provar que tinha talento. Esse talento é comprovado na pele de Susan.
Vera Fischer festeja 74 anos neste mês de novembro, precisamente no dia 21, e enfrenta há anos o mesmo ocaso de Susan White no mercado do audiovisual. Outrora protagonista de novelas como Coração alado (1980) e Laços de família (2000), sem falar em séries como Desejo (1990), a atriz já não encontra espaço no mundo das novelas e séries. E volta e meia se queixa disso em entrevistas.
Dessa forma, a encenação de O casal mais sexy da América se alimenta de um jogo de espelhos entre atriz e personagem. É como se Vera se visse refletida em Susan. E, quando a personagem desabafa sobre os efeitos do etarismo na profissão, é quase inevitável que o espectador interprete as falas como queixas da própria Vera Fischer em curiosa interseção entre ficção e realidade.
Com montagem de contorno realista, O casal mais sexy da América sustenta a atenção do público como esse jogo de cena ancorado na presença luminosa da impagável estrela Vera Fischer.
Mauro Ferreira
Vinte anos após armar a cena com a reflexão política de Um circo de rins e fígados (2005), Marco Nanini continua em cartaz com o espetáculo em que reencontra Gerald Thomas, um dos encenadores mais potentes do teatro brasileiro. A reunião de ator e diretor acontece em Traidor. Em rotação pelo Brasil desde novembro de 2023, mês em que estreou em São Paulo (SP), o espetáculo aterrissa no Teatro Luiz Mendonça, no Recife (PE), para duas apresentações agendadas para 18 e 19 de outubro.
Traidor tem texto escrito por Gerald Thomas a partir de observações ácidas sob o fervente caldeirão em que está mergulhado o mundo contemporâneo. Na cena, marcada pela exuberante estética visual criada pelo diretor que se alterna entre Brasil e Nova York, Nanini personifica um ator que, às voltas com o mundo em ebulição da própria cabeça, reflete com certo ar nietzschiano sobre os (des)caminhos do Homem, enquanto permanece isolado em uma ilha, cercado de indagações existenciais.
“Se houvesse um cruzamento entre Kafka e Shakespeare, então esse seria Traidor, uma espécie de híbrido entre o Joseph K de O Processo e o Próspero de A Tempestade, cuja mente renascentista olha para o futuro da civilização, perdoa os detratores e os absolve", sintetiza o encenador.
Na encenação de Gerald Thomas, o mundo é um reino em desencanto, terreno fértil para o cultivo de questionamentos e reflexões existenciais de um ator que se sente estranho no ninho da era digital e das redes nem sempre sociais. Um ator que, no delírio da mente, mostra resiliência na defesa e manutenção da emoção. “A gente se emociona, sim”, repete o ator, em elo com o espetáculo de 2005, encerrado com frase similar.
O ator está só em cena. Nem a presença do coro masculino que encorpa a encenação ao transitar pelo palco dilui a sua solidão na dramaturgia fragmentada e intencionalmente desconexa de Gerald Thomas. Povoado por destroços, sinais da decomposição do mundo contemporâneo, o cenário entroniza o ator ao mesmo tempo em que o desnuda diante do público. O ator-rei está nu, incapaz de se vestir com a bestialidade cotidiana que o assombra como um fantasma.
Traidor se conecta com a obra do escritor tcheco Franz Kafka (1883 – 1924) porque põe em cena a angústia do homem moderno — no caso, um ator, mas poderia ser qualquer homem — diante do absurdo da condição humana. Teatro do absurdo? Sim: há muito de Samuel Beckett (1906 – 1989) na medida em que o texto não está lá para ser “entendido” como uma apostila ou uma cartilha da dramaturgia convencional, e sim para ser sentido como um turbilhão de sensações aflitivas que traduzem o descontrole da existência humana no caos apocalíptico do século XXI. Se o teatro por vezes soa absurdo, é porque a vida é absurda.
Totalmente entregue ao jogo cênico proposto por Gerald Thomas, Marco Nanini expõe em Traidor a fidelidade a um teatro de ideias em que música, iluminação, cenografia — todas exuberantes, como de hábito nos espetáculos de Gerald — enchem olhos e ouvidos sem atenuar o desconforto da mente do espectador.
Diante do apocalipse iminente, o dramaturgo aposta na colagem de cacos (em afinidade com o cenário em ruínas) e de ideias encadeadas com certo humor e sem lógica aparente no texto provocativo. Em Traidor, o trabalho de Marco Nanini está posto a serviço do teatro de Gerald Thomas. O que somente engrandece o ator no exercício inquieto do ofício.
Mauro Ferreira
Monólogo escrito
por Leonardo Netto e estrelado pelo ator Eduardo Moscovis, sob direção de
Rodrigo Portella, impacta ao mostrar a ebulição da humanidade através da
história de um homem comum diante da barbárie.
O poeta e dramaturgo Bertolt Brecht (1898 – 1956) já alertou que “Do rio que tudo arrasta se diz que é violento, mas ninguém reputa como violentas as margens que o comprimem”. No monólogo O motociclista no globo da morte, escrito por Leonardo Netto e encenado pelo ator Eduardo Moscovis sob direção minimalista de Rodrigo Portella, a violência espreita o espectador como um bicho acuado, pronto para atacar a qualquer momento. Só que o ataque, previsto desde o início do monólogo, é desferido ao fim de forma surpreendente e atinge o espectador como soco no estômago que chacoalha a mente e provoca a reflexão sobre um mundo em permanente estado de violência na vida cotidiana.
Na cena orquestrada por Rodrigo Portella, a violência é de início interior e tem a semente escondida na alma do personagem de Moscovis, Antônio, homem pacífico que vê o mundo implodir por força de circunstâncias trágicas provocadas por atos contínuos de misoginia e de crueldade com um animal. Nesse contexto, Antônio poderia até ser visto e saudado como herói, mas, como também lembrou o escritor e filósofo francês Jean Paul Sartre (1905 - 1980), toda e qualquer violência é sempre uma derrota.
Antônio sai derrotado do embate com outro Antônio, um ser humano como ele, um homônimo, um semelhante. Mas a sensação de derrota é geral ao fim da cena muda em que impera um incômodo silêncio. E até no silêncio ator e texto se agigantam no espetáculo em cartaz de quinta-feira a domingo no Teatro Poeira, no Rio de Janeiro (RJ), até 26 de outubro.
O motociclista no globo da morte chega à cena com o mesmo impacto de Prima facie (2024), monólogo blockbuster da temporada anterior estrelado por Debora Falabella sobre a injustiça praticada pela Justiça contra mulheres vítimas de violência sexual. Há um elo entre os dois espetáculos porque Rita, personagem citada inúmeras vezes no texto de O motociclista no globo da morte, mas invisível aos olhos do espectador, também é vítima psicológica da espiral de violência misógina.
Mas é Antônio, o homem em tese pacífico vivido por Moscovis, que exterioriza e põe em prática uma violência que, afinal, reside e lateja dentro de todos os seres humanos, espectadores de videogames e de filmes sanguinários. Mesmo porque, nesse globo da morte chamado planeta Terra, já é difícil saber até que ponto a violência da vida real é potencializada pelos estímulos da violência da ficção.
Antônio derrapa e perde o controle no globo da morte. No momento do acidente, a iluminação de Ana Luzia de Simoni deixa o ator com menos luz na cena intencionalmente casual, reforçando a ideia, proposta pelo diretor Rodrigo Portella, de que Antônio é homem comum, ordinário, o que também se traduz visualmente pelo figurino de Gabriela Marra.
O espetáculo se impõe pela força do texto, da interpretação do ator (especialmente comovente na descrição do ato de violência) e da direção acertadamente crua. Todos os acessórios, como a trilha sonora de Muato, corroboram a sensação de que o sucedido com Antônio pode acontecer com qualquer um, a qualquer momento. E é essa consciência crescente ao longo do espetáculo que atiça a reflexão do espectador, capturado para olhar para dentro de si mesmo e detectar os polos potenciais de violência internalizada.
O motociclista no globo da morte reforça o dedo na ferida social. E a mente arde, ciente de que todo mundo pode ser Antônio se comprimido pelas margens estreitas da barbárie. Até porque, em última instância, como já sublinhou um líder budista da linhagem do dalai-lama, a violência interna ou externa é um sinal de desespero.
Mauro Ferreira
A escritora e poeta norte-americana Maya Angelou (4 de abril de 1928 – 28 de maio de 2014) deixou rastro de luz e ativismo no mundo ao perpetuar em relatos autobiográficos a força perene do povo negro diante dos abusos cotidianos da branquitude dos Estados Unidos. Essa luz tem sido espalhada nos palcos do Brasil pela atriz e cantora Zezé Motta com o espetáculo Vou fazer de mim um mundo, monólogo ora em cena no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) do Rio de Janeiro (RJ), até 5 de outubro, após passar por Brasília (DF) e Belo Horizonte (MG).
Em Vou fazer de mim um mundo, primeiro monólogo da carreira da atriz fluminense de 81 anos, Zezé Motta interpreta trechos do primeiro livro autobiográfico de Maya Angelou, Eu sei porque o pássaro canta na gaiola, publicado em 1969. No livro, obra-prima de literatura calcada na resistência e no humanismo que se agigantam em oposição à brutalidade do racismo e da violência sexual praticada contra mulheres negras, a escritora relata o estupro que sofreu aos oito anos em St. Louis (EUA) e uma série de abusos cometidos nos Estados Unidos segregacionistas dos anos 1930 e 1940.
Na voz e no tempo de delicadeza da interpretação de Zezé Motta, as palavras de Maya Angelou calam fundo na alma do espectador. Sem carregar no tom, a atriz concentra e interioriza a emoção de um relato que combate o horror com a poesia. Aliás, foi pela poesia e pela literatura que a escritora saiu do estado de mudez — no qual permanecera por anos, refugiada no mundo interior — e que recuperou a voz. Voz que se tornou ativista com a escrita de livros autobiográficos e que levaram Maya — nascida Marguerite Ann Johnson — a ser condecorada em 2010 com a Medalha Presidencial da Liberdade pelo então presidente dos Estados Unidos Barack Obama.
Em Vou fazer de mim um mundo, Zezé Motta aproxima o universo ativista de Maya Angelou do Brasil, com a consciência de que, parafraseando verso de música do grupo Titãs, miséria humana é miséria humana em qualquer canto do mundo. Maya Angelou foi brutalizada na infância por uma miséria humana recorrente no cotidiano brasileiro, historicamente regido pela violência e pela injustiça social.
No monólogo, encenado por Zezé sob direção de Elissandro de Aquino, o paralelo entre Brasil e Estados Unidos é feito não somente pelo canto de temas afro-brasileiros entre temas norte-americanos, mas também pela citação de nomes como Carolina Maria de Jesus (1914 – 1977) e Elza Soares (1930 – 2022), cantora brasileira que também transcendeu os abusos sofridos ao longo da vida pela força da palavra, no caso da palavra cantada.
Na cena de Vou fazer de mim um mundo, a música executada pela percussionista Mila Moura e pelo guitarrista Pedro Leal David (diretor musical arranjador do espetáculo) embala o canto transcendental de Zezé Motta. Mas é a palavra de Maya Angelou a força motriz do monólogo em que Zezé se eleva com voz ativa, pronta a neutralizar o horror do racismo com a resistência do humanismo, espalhando a luz irradiada pela escrita ativista da autora norte-americana.
Mauro Ferreira
Publicado há 30 anos, em 1995, o romance Ensaio sobre a cegueira contribuiu para consagrar em escala mundial o escritor português José Saramago (1922 – 2010), laureado em 1998 com o Prêmio Nobel de Literatura. Nas páginas da obra, Saramago expôs a brutalidade da alma humana ao narrar o surgimento e a expansão de uma epidemia de cegueira que escancara a podridão das estruturas sociais calcadas na opressão e na colonização.
A partir do livro de Saramago, o Grupo Galpão — fundado em novembro de 1982 em Belo Horizonte (MG) e, desde então, uma sólida referência de bom teatro em todo o Brasil — põe em cena um ensaio sobre a miséria humana. (Um) Ensaio sobre a Cegueira é o 27º espetáculo desse grupo mineiro que já contabiliza mais de dois milhões de espectadores e mais de 100 prêmios ao longo de 43 anos de existência.
Após passar por Belo Horizonte (MG) e Porto Alegre (RS), o espetáculo está em temporada no Rio de Janeiro (RJ), cidade onde ficará em cartaz até 14 de setembro no Teatro Carlos Gomes, de quarta-feira a domingo.
A direção e a dramaturgia contemporâneas de Rodrigo Portella tomam algumas liberdades em relação à escrita de Saramago. Há falas em que os atores explicitam o fato de estarem fazendo teatro, em comunicação direta com o público, olho no olho. Mas a essência da obra de Saramago está lá, intacta. A narrativa é fiel ao livro.
E o que se vê é um espetáculo altamente potente, daqueles que grudam nas retinas e provocam reflexões nas mentes. O despojamento do início é como o começo silencioso de uma epidemia. Ninguém imagina o que vai acontecer em cena em um futuro muito próximo. Mas o futuro chega e instala o caos social no palco. No caso, a partir da disseminação do “mal branco”, nome dado à epidemia de cegueira em que os que perdem a visão passam a “ver” tudo branco.
À medida que a epidemia se alastra, o individualismo predador do capitalismo se espalha entre os sanatórios controlados e vigiados com armas por militares. Fica claro que o “mal branco” pode ser visto também como analogia para os sistemas ditatoriais que aprisionam e aniquilam todos os que podem prejudicar a “ordem social”.
É no aliciante segundo ato, situado nos sanatórios, que a encenação do Galpão se agiganta. Há forte teatralidade nas cenas em que as misérias humanas começam a aparecer com a escassez de comida e as exigências de um chefe miliciano para que as mulheres cegas o sirvam. É quando os silêncios impostos pelo diretor Rodrigo Portella dizem tudo.
A opção por trazer alguns espectadores literalmente para a cena — retirados da plateia e com os olhos vendados assim que sobem no palco — contribui para a sensação de que ninguém ali, no palco ou na plateia, está imune à cegueira. A epidemia pode atingir qualquer um a qualquer momento.
Entre os cegos, há a “mulher que vê”, personagem da atriz Fernanda Vianna. E é especialmente emblemática a cena em que ela vê a traição do marido no sanatório e essa visão expõe o que dói ser visto. No fim, a moral da história é que ver, enxergar o outro como ele é, é uma benção que não depende somente dos olhos, mas sobretudo de um estado de espírito, de uma predisposição para não se deixar enganar pelas convenções sociais. Como diz o dito popular, o pior cego é aquele que não quer ver. Com a peça do Grupo Galpão, tudo fica às claras. Principalmente a miséria humana e as corroídas estruturas de poder da sociedade do século XXI.
Mauro Ferreira
Que mistério tem Clarice – prosadora nascida na Ucrânia, mas naturalizada brasileira e de fato e de direito uma das maiores escritoras do país – para mobilizar tantas mentes inquietas com a sua escrita? A obra literária de Clarice Lispector (1920–1977) é a base de dois textos encenados por duas atrizes simultaneamente, em palcos do Rio de Janeiro, de sexta-feira a domingo, até 31 de agosto.
No Teatro Fashion Mall, Beth Goulart encarna a escritora de forma (in)crível – e também interpreta trechos de textos da autora do romance Perto do coração selvagem (1943) – em Simplesmente eu, Clarice Lispector, espetáculo que estreou em 2009 e que, 16 anos depois, vem arrebatando novas multidões no retorno à cena desde o primeiro semestre de 2025.
Orquestrada pela própria atriz, hábil na seleção e costura dos textos, a peça de Beth Goulart é sinfonia exuberante em que gestos, falas, expressões, canto – a atriz dá voz a um tema sacro – e luz se afinam e contribuem para manter a aura de encantamento em torno de Clarice, personificada na exímia caracterização de Beth.
No porão da Casa de Cultura Laura Alvim, Ester Jablonski interpreta quatro contos de Clarice no monólogo Silêncios claros, sob a direção de Fernando Philbert, com cena mais despojada, calcada nos textos das narrativas breves. Como o espetáculo de Beth Goulart, o solo de Ester Jablonski está voltando à cena. Estreou originalmente em 2013, no Rio de Janeiro, e retorna aos palcos cariocas pela eterna magia que envolve Clarice Lispector.
Os contos são “O grande passeio”, “Uma tarde plena”, “A fuga” e “Uma galinha”. Todos se situam na cidade do Rio de Janeiro (RJ), mas os temas são universais e os textos, escritos sob ótica feminina.
Clarice Lispector entendia muito da solidão e da opressão femininas. “A fuga”, por exemplo, flagra uma mulher em momento breve e fugaz de liberdade, numa válvula de escape do casamento que a esmaga por 12 anos. Doze anos que pesam como quilos de chumbo, como ressalta Clarice na voz de Ester. Enquanto a atriz descreve a fuga não concretizada, menos por medo do que pela falta de dinheiro, para embarcar no navio que a livraria do peso daquela união, o espectador viaja pela imaginação daquela mulher através da voz de Ester, que encena Clarice sem afetações.
“O grande passeio” sobressai na costura fina de Silêncios claros ao lado de “A fuga”. No conto que abre a peça, Ester Jablonski narra a história de Margarida, idosa que vive de caridade e é conhecida por Mocinha. A senhora, que causa espanto ao se dar ao luxo de passear, convive com fragmentos da memória e com migalhas da compaixão alheia desde que veio parar no Rio de Janeiro, vinda da Maranhão natal. Clarice Lispector descortina a intensidade do sentimento que banha o mundo solitário de Mocinha às voltas com fantasmas do passado.
No palco, a literatura de Clarice ganha certa teatralidade, mérito do diretor Fernando Philbert na condução de Ester Jablonski em cena. Silêncios claros, afinal, não é um recital de contos, mas uma peça viva como a escrita de Clarice Lispector. A Clarice que procurou desmistificar o ato de escrever em entrevista reproduzida em cena por Beth Goulart na pele da romancista em um dos grandes momentos de Simplesmente eu, Clarice Lispector. Mas é que há tanta densidade no fluxo do pensamento literário de Clarice que talvez haja a necessidade de criar um mito em torno dela para tentar explicar um mistério insondável.
Que mistério tem Clarice para guardar-se assim tão firme no coração dos atores, dos poetas, dos compositores, enfim, de todos os brasileiros? A pergunta já foi feita em 1968 através de um poeta, José Carlos Capinan, letrista de “Clarice”, canção de Caetano Veloso. Talvez ninguém saiba responder a contento.
Desde que irrompeu em 1943 como grande expoente da geração de autorias brasileiras da década de 1940, Clarice Lispector vem se perpetuando na memória nacional sem jogadas de marketing. Natural, a força da obra da escritora vem mesmo e tão somente da escrita densa, intensa e poética que ora reverbera nos palcos cariocas em dois monólogos que merecem ser vistos. Cada uma a seu modo, as peças “Simplesmente eu, Clarice Lispector” e “Silêncios claros” perpetuam a escrita, o mito e o mistério de Clarice.
Mauro Ferreira
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